Comentario de El éxtasis de Santa Teresa, de Bernini

Esta es la obra mas conocida del escultor Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) situada en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma. Fue encargada por la familia Cornaro.

En la obra destacan dos figuras; empezando por la izquierda, nos encontramos con un ángel que sonríe pícaramente después de haber clavado en el corazón de la santa una flecha de amor cristiano. Éste luce una especie de manto con multitud de pliegues, en su mano derecha porta la flecha que acaba de utilizar y también luce dos hermosas alas en su espalda.

A su lado podemos divisar a Santa Teresa en pleno éxtasis; con la boca entreabierta y los ojos cerrados que hacen que el rostro transmita una sensación de mezcla entre dolor y placer. Su cuerpo parece caerse pues sus brazos y piernas están flácidos, ella luce un exagerado manto lleno de pliegues que dan la sensación de hacerlo muy pesado, y bajo éste encontramos un cúmulo de vaporosas nubes que flotan bajo ella.

Sobre las dos figuras caen diversos rayos realizados con bronce que nos dan la sensación de ser rayos de luz que proceden del sol que alumbra a los personajes. Rodeando el conjunto escultórico se encuentra un decorado marco.

A su vez toda la composición nos hace acordarnos de estar viendo una representación teatral en la que el centro de la escena es el conjunto que forman el ángel y la santa. Alrededor, en las paredes laterales, se encuentran divididos en balcones los distintos miembros de la familia que le encargó esta preciosa obra (la familia Cornaro); ya que querían aparecer en ésta, Bernini originalmente los colocó en palcos como si de una actuación teatral se tratase observando éstos lo que estaba ocurriendo en escena.

En la obra podemos apreciar el rostro exagerado de la santa como es típico en la escultura italiana barroca. La multitud de pliegues que forman sus ropajes hacen que se aprecien contrastes de claroscuro. También consta de diferentes puntos de vista y como bien se puede apreciar las figuras están en plena acción transmitiéndonos movimiento. Están realizadas en mármol blanco, aunque presenta contrastes cromáticos entre los diferentes materiales. También presenta un acabado pulido en algunas zonas y muestra rugosidad en otras.

CONTEXTO HISTÓRICO

El término “Barroco” se acuñó, con sentido peyorativo, a finales del siglo XVIII o principios del siglo XIX. Su carácter despectivo le venía dado por su recargamiento y complicación decorativa, siendo un estilo muy criticado hasta finales del siglo XIX. A partir de ahí empezó a ser un arte con características propias, que supone una reacción frente al racionalismo renacentista y continuación del Manierismo.

En su desarrollo influye la Iglesia de la Contrarreforma en la que los papas son los mecenas. La iglesia católica renovará la iconografía e impondrá el gusto por las composiciones aparatosas, para expresar su superioridad frente a la herejía protestante.

Como arte cortesano, el Barroco se pone al servicio de los monarcas absolutos, que encargan la construcción de grandiosos palacios. Este arte busca emocionar al pueblo y persuadirlo de que la monarquía es la mejor forma de gobierno. Es un arte con una finalidad propagandística evidente.

Hay dos etapas: el Barroco pleno (1630-1680) y el Barroco tardío (hasta 1750).

Comentario realizado por Berta Riverson Camacho, 2º Bachillerato D

Comentario de La Primavera, de Sandro Boticelli

Nos encontramos ante una de las obras más bellas y que mejor definen el estilo de su autor: Botticelli. La técnica utilizada es el temple y el soporte la tabla, como era típico en el Renacimiento. Se trata de un tema mitológico, que está integrado por los siguientes personajes: la diosa Venus que se encuentra en el centro, y arriba se forma una especie de aureola, a su izquierda las Tres Gracias, que bailan alegremente cerca del dios Mercurio, (guardián del jardín de Venus) y a su derecha se encuentran Céfiro y su esposa, la ninfa Cloris, un poco más adelante aparece Flora y encima de la cabeza de Venus, aparece volando un ángel, sin duda Cupido. Los personajes se sitúan en un bosque de naranjos.

Se trata de una obra idealista, aunque los personajes presenten rasgos muy naturalistas apreciables sobre todo en las facciones y en los cabellos, pero el paisaje es bastante idealista y los cuerpos carecen de naturalismo. Por otro lado, se trata de un cuadro en el que se aprecia un fuerte dinamismo, pues todas las figuras parecen estar agitadas, esto se aprecia especialmente en los cabellos y en los mantos que cubren los cuerpos de las Tres Gracias, así como en los vestidos de los demás personajes. En este cuadro desaparece totalmente la rigidez, para dar lugar a unos rostros nostálgicos, como el de Venus y Flora, otros más tiernos como los de las Tres Gracias, mientras que Mercurio tiene un rostro más entusiasmado, y Cloris y Céfiro se miran mutuamente con amor. A pesar del detallismo que este autor emplea en las figuras, esta minuciosidad desaparece respecto al paisaje, el cual es bastante sencillo, además tampoco le interesa la perspectiva ni la profundidad, pues la pintura es bastante plana. La luz es nítida, la cual alumbra todas las partes de la obra. También podemos apreciar los contornos de las figuras, definidos con una línea negra, la mayoría de estas líneas son curvas que oscilan como ondas. Por último cabe señalar que en esta obra predominan los colores claros, aunque sin excluir los tonos más oscuros y brillantes.

El autor de esta obra es Sandro Botticelli, pintor del Quattrocento. Es un pintor de una sensibilidad exquisita, al que como se puede apreciar claramente en esta obra no le interesan las conquistas técnicas, se podría decir que su concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. Opta por las figuras humanas, dejando el tratamiento del paisaje en un segundo plano. Domina en él la vocación de dibujante de líneas deliciosas, que oscilan como ondas. Estas figuras suelen aparecer agitadas por el movimiento y con rostros meláncolicos. Al final de su vida se acentuará el dramatismo en sus obras: colores intensos, movimiento exaltado, contenido moralizante…

Esta obra pertenece al arte renacentista, que se desarrolla principalmente en Italia, en los siglos XV y XVI. Con la llegada de este nuevo arte se produce una vuelta a las formas clásicas, siendo de nuevo el hombre el centro de todas las composiciones. En este periodo destaca la figura del humanista, quien posee una amplia variedad de conocimientos, como es el caso de Leonardo da Vinci. En esta época también nace la crítica del arte, que da lugar al surgimiento de tratados de arquitectura, pintura y escultura. Por su parte el papel del artista cobra importancia y es respetado y venerado por todos. Por último tampoco debemos olvidar el papel de los mecenas, que son los protectores de los artistas y que en muchos casos financian las obras. Destaca la familia de los Médici.

Comentario realizado por Rocío Esperanza Pérez Martín
2º Bachillerato D

Comentario de El Patio de los Leones, de La Alhambra de Granada

Arquitectura.

El patio de los Leones es el espacio central del Palacio de los Leones, situado en la Alhambra de Granada. El palacio constituía una de las estancias privadas de la familia real.

Predomina la horizontalidad debido a las 124 columnas que forman el pórtico que rodea todo el patio, en sus lados menores el pórtico se adentra en el patio y en sus cubiertas hay dos pequeñas cúpulas de madera. Está construido a escala humana.

La planta del patio es rectangular de crucero, con cuatro canales que dividen el patio en cuatro partes, que simbolizan los cuatro ríos del reino musulmán. En el centro del patio se sitúa la fuente de los Leones, tallada en mármol, que actualmente está en proceso de restauración. La fuente está constituida por una base octogonal con inscripciones a su alrededor, esta base se sostiene sobre doce esculturas de leones por cuya boca mana agua, son poco realistas como es característico de esta época, esta fuente da nombre al patio. El agua era fundamental para los musulmanes ya que venían del desierto donde el agua es escasa. Los leones de la fuente son de una construcción anterior, datada en el siglo XI, pertenecían al palacio de un visir judío y fueron regaladas al sultán por representantes de la comunidad judía.

Es una arquitectura adintelada. Las cubiertas del pórtico son a dos o más aguas al exterior.

Los elementos sustentantes son prácticamente las columnas características del arte nazarí. Los arcos que se sitúan entre las columnas son arcos peraltados y de mocárabes.

Los canales de la fuente se dirigen a las cuatro estancias que rodean el patio; en los lados mayores se encuentran la sala de Dos Hermanas y la sala de Abencerrajes, en sus lados menores están las sala de los Mocárabes y la sala de los Reyes.

La decoración es muy abundante, podríamos decir que existe horror vacui en la decoración. Las columnas son muy características debido a la abundante decoración que contienen; tienen una pequeña basa a la que le sigue un fino fuste con anillos en la parte superior, el capitel puede ser de distintos tipos. Las columnas eran de mármol blanco. Sobre las columnas se levantan los arcos con abundante decoración, de diferentes tipos: ataurique, mocárabes… que en su tiempo estaban pintados.

Los materiales utilizados en su construcción son argamasa, estuco, ladrillo, yeso, mármol, cerámica y madera.

Los vanos son numerosos, ya que los huecos que hay entre las columnas permiten el paso de la luz.

El conjunto de la Alhambra data del siglo XII cuando Mohammad I fijó allí la residencia de los reyes nazaríes. El autor es desconocido, de estilo Hispanomusulmán.

Contexto histórico.

La civilización islámica tiene su origen en una nueva religión predicada por el profeta Mahoma en la primera mitad del siglo VII. Se comenzó a extender por Siria, Persia, Egipto…

Durante la expansión, los musulmanes van adoptando los elementos artísticos propios de cada pueblo. Con el tiempo el arte irá adquiriendo unas características definidas que lo dotarán de una gran personalidad.

El Corán no prohibía la representación de figuras pero era conocido que se tomaron medidas primero contra las representaciones de Dios y luego con otras representaciones. Se daba el horror vacui; ningún espacio sin decoración.

La derrota almohade en las Navas de Tolosa evidenció el empuje de los reinos cristianos y resquebrajó el poder musulmán. Poco después el reino nazarí de Granada se va a convertir en el más poderoso de Al-Ándalus, surgiendo alguna de las obras artísticas más sobresalientes del arte islámico. Es una vuelta al arte suntuoso del primer momento y supone una reacción frente a la austeridad del arte almohade. El arte nazarí reúne las siguientes características: sobriedad de los exteriores frente a unos interiores con abundante decoración; los materiales empleados son muy variados, en general pobres, pero la decoración hace olvidar la pobreza de estos materiales; abundante presencia de fuentes y jardines; los arcos más utilizados son los peraltados y de mocárabes; las columnas son muy estilizadas, con finísimos fustes y esbeltos capiteles; y usan colores vivos para pintar toda la decoración.

Comentario realizado por Miguel Ángel Peláez Laíno

2º Bachillerato D

Comentario del Apoxiomenos, de Lisipo

Nos encontramos ante una imagen que pertenece al arte griego, concretamente al periodo clásico. El mundo griego es considerado la base de la cultura occidental. Se trata de una cultura antropocéntrica, donde todo gira alrededor del hombre. Se concibe a escala humana, siendo la belleza la perfecta relación armónica que debe existir entre todas las partes de un todo. Los dioses serán representados como hombres. El mundo griego se organiza en polis. Es en una de esas polis, Atenas, donde tiene lugar el nacimiento de la democracia como sistema político, lo que tendrá un reflejo importante en el arte. La religión será un elemento unificador de esta cultura, ya que será muy importante en el arte. El arte griego se divide en 3 periodos: Periodo arcaico (s. VII-VI a.C), Periodo clásico (s. V-IV a.C), momento de mayor esplendor artístico, Periodo helenístico (s. III-I a.C).

Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo. La técnica que se utilizó en la original fue la fundición y su material el bronce, pero en las copias se utilizó el mármol y la talla. Su autor fue Lisipo, quien hace cada vez figuras más naturalistas. Se trata de un gran broncista. Esta escultura representa a un atleta que se limpia el sudor con la estrígile. Se trata de un desnudo más esbelto, donde se establece el nuevo canon de las 8 cabezas, según el cual la cabeza debía ser 1/8 del cuerpo. Se trata de una escultura de bulto redondo. Es una escultura antropomorfa. Se puede apreciar en el cuerpo el principio de frontalidad, pero el brazo extendido invita a girar en torno a él y ofrece múltiples puntos de vista . Se aprecia un naturalismo idealizado, el punto intermedio entre realismo y naturalismo, donde se representa al hombre perfecto, sin defectos. A través del canon se busca la perfección formal. Se trata de una persona que controla los sentimientos, lo podemos apreciar en la serenidad del rostro. Se trata de un movimiento antes de desarrollarse la acción, donde el atleta inclina la cabeza para mirar a lo lejos. Eleva los brazos casi a la altura de los hombros. Ambos brazos están tensos. La figura se apoya sobre una pierna, la otra no está relajada, sino que parece como si se desplazase a la derecha y contribuye a sustentar la estatua. Se aprecia el contraposto, desnivelándose la línea recta de las caderas. Se trata de una escultura policromada, aunque con el paso del tiempo se ha perdido el color. En esta época aparecen ya las esculturas firmadas, por lo que es importante la creación artística individual.

Comentario realizado por Estefanía Bardo Medina, 2º Bachillerato D

Comentario del templo de Ramsés II en Abu Simbel

Nos encontramos ante un templo speo en el que en su parte frontal se encuentran cuatro colosos del faraón Ramsés II de la XIX dinastía, acompañado de esculturas de su madre, esposa e hijos, de un tamaño muy inferior, donde se ve claramente la jerarquización de las figuras, incluso el faraón aparece más grande que el dios Ra, situado encima de la entrada al templo.

En las estatuas se ve el ideal de belleza egipcio, el canon de los 18 puños, que se distribuyen: 2 para el rostro, 10 para el tronco hasta las rodillas y 6 de las rodillas hasta los pies. En la escultura egipcia la religión era muy importante, y el faraón, considerado como un dios, tiene una expresión de hieratismo, que le hace parecer eterno. Las estatuas están todas de forma sedente, con las extremidades pegadas al cuerpo, formando lo que se llama estatuas-cubos, que sería el soporte para el “ka”. El conjunto lo forman cuatro esculturas del faraón, doce de su familia y un altorrelieve del dios Ra. Predomina la ley de frontalidad, las estatuas están hechas para ser observadas solamente de frente.

El templo es de tipo speo, en el que predomina la horizontalidad y tiene una escala colosal. Su planta es rectangular, dado que está excavado en la roca carece de patio y pero sí tiene sala hipóstila, su arquitectura es adintelada y sus soportes las columnas y los pilares, y al final del templo está el santuario, en el que hay estatuas de dioses, e incluso hay una estatua de Ramsés II divinizado.

El interior estaba decorado con jeroglíficos y estatuas de Ramsés-Osiris, que muestra la indisoluble unión del dios y el faraón, la decoración del exterior ya fue descrita anteriormente. El edificio carece de vanos, pues está excavado en la roca, por lo que sólo entra luz por la puerta de entrada.

El templo lo mandó construir el faraón Ramsés II y fue dedicado al dios Ra. Este templo fue realizado en el Imperio Nuevo cuando se volvió a las antiguas normas del Imperio Antiguo, después del cambio que se dio durante el reinado del faraón Akenatón.

Tanto el templo como las esculturas del faraón tenían un fin propagandístico, el templo está situado en la frontera sur con Nubia y servía para avisar a sus posibles atacantes del poder del faraón que reinaba en Egipto. Además la función del templo, al igual que los demás templos egipcios, es albergar la imagen del dios, no es un lugar de culto.

La civilización egipcia fue una de las más grandes e importantes de toda la Antigüedad y se desarrolló entre el 3.000 y el 715 a.C. Dada su situación geográfica era un pueblo muy relacionado con el río Nilo, el cual les proporcionaba casi todo lo necesario para vivir. En esta cultura el faraón tenía todo el poder político y religioso, pues se le consideraba un dios en la tierra. Su gran creencia en el mundo de ultratumba deja grandes huellas en las representaciones artísticas de esta civilización.

Comentario realizado por Rocío Martínez Valverde (2º Bachillerato D)

Comentario del templo de Ramsés II en Abu Simbel (guión)

Por si queréis repasarlo en casa, aquí os dejo el guión del comentario del templo de Ramsés II en Abu Simbel.

Comentario Del Templo De RamséS Ii

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Bienvenidos

Comienza un nuevo curso, y de nuevo este blog abre sus puertas para daros a todos la bienvenida a una asignatura nueva para la mayoría de vosotros: la Historia del Arte. Espero que esta aventura os agrade y descubráis muchas cosas interesantes. Veréis que este es un mundo complicado pero apasionante. Y, como ya os dije en clase, me gustaría que sintiérais el arte además de admirarlo, pues al fin y al cabo, este es quizás el objetivo más importante que un profesor de esta asignatura pueda plantearse: el enseñar a disfrutar de la obra artística.

También os animo a que participéis en el blog con vuestros comentarios como algunos de vuestros compañeros ya hicieron el año pasado. Este blog sigue siendo un espacio para todos, no lo olvidéis.

Para comenzar, os propongo un juego, algo difícil pero entretenido. Sólo tenéis que pinchar en el diploma que aparece más abajo.



En este otro enlace podéis pintar vosotros mismos un cuadro de expresionismo abstracto al estilo del propio Jackson Pollock, pero sin mancharos de pintura:

http://jacksonpollock.org/

Y por último, por si queréis echarle un vistazo tranquilamente en casa, os dejo la presentación de introducción al análisis de la obra artística que hemos visto en clase.

Aproximación al análisis de la obra de arte

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Bienvenidos, artistas.

Buenas noches y buena suerte

Mañana empiezan las pruebas de Selectividad. Algunos estaréis nerviosos, otros más tranquilos, algunos no podréis pegar ojo y otros dormiréis como si mañana no pasara nada. Creo que este curso habéis hecho un buen trabajo, y por ello debéis estar orgullosos. Si los exámenes no son muy rebuscados, y la suerte os acompaña un poquito, seguro que lo haréis estupendamente. Sólo tenéis que conservar la calma, leer bien las preguntas, respirar hondo y lanzaros a escribir. Demostrad que este curso os merecéis una buena nota.

Por mi parte, os deseo que os caigan algunas de esas obras que tan bien domináis. ¿Por qué no una Piedad o un David de Miguel Ángel? ¿O una mezquita de Córdoba (mejor que la Alhambra, ¿no?) Tampoco estaría mal alguna obra de Velázquez o Goya. Por pedir, que no quede.

En fin, que muchísima suerte y ánimo para todos los que mañana os examináis. Y para todos en general, repito aquí lo que os dije el último día de clase: ha sido un placer trabajar con vosotros. Os deseo lo mejor y espero que encontréis pronto vuestro camino. Buscad dentro de vosotros, y luchad por conseguir vuestros sueños. Está en vuestras manos hacerlos realidad.

Os dejo de regalo una canción para deciros hasta pronto...

Buenas noches y buena suerte.

Presentaciones de arte del siglo XX

Y para terminar... las últimas imágenes, las correspondientes al siglo XX.

Arte del siglo XX: arquitectura y escultura

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Arte del siglo XX: pintura (1ª parte)

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Arte del siglo XX: pintura (2ª parte)

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Presentaciones de arte del siglo XIX

Por si tenéis tiempo de echarles un ojo antes de Selectividad.

Romanticismo y Realismo

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Arquitectura del siglo XIX

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Modernismo 1

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Modernismo 2

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Modernismo 3

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Modernismo 4

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Impresionismo, Rodin y Postimpresionismo

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Presentaciones de Arte neoclásico y de Goya

Y por último para el próximo examen, las imágenes de Arte neoclásico y de Goya. Para la mayoría de vosotros, este será el último examen de la asignatura. Así que ánimo y mucha suerte para todos.

Arte neoclásico

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Goya 1

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Goya 2

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Presentaciones de arte barroco español

A continuación podéis ver las presentaciones de arte barroco español. Son unas cuantas, así que paciencia con ellas.

Arquitectura barroca española

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Escultura barroca española

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Pintura barroca española

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Velázquez 1

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Velázquez 2

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Velázquez 3

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Presentaciones de pintura barroca flamenca y holandesa

Más presentaciones para que podáis repasarlas desde casa. Aquí os dejo las de la pintura barroca flamenca (Rubens) y holandesa (Rembrandt).

Pintura flamenca

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Pintura holandesa

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Comentario de El Expolio, de El Greco

El Renacimiento es ante todo un movimiento italiano, pues es clara la supremacía de Italia en el desarrollo artístico de los siglos XV y XVI. No hay que olvidar el poco arraigo del estilo gótico en este conjunto de estados. Desde el punto de vista económico, Italia era un centro de primer orden, por sus relaciones comerciales entre Europa y Oriente y el gran desarrollo de su Banca, lo que hizo alcanzar una modernidad económica y unas estructuras sociales avanzadas. En este país el lenguaje del Renacimiento se viene gestando desde finales del siglo XIII.

El Renacimiento significa un despertar del Humanismo. Por primera vez, el hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura, donde las dimensiones del edificio se acercan más a la escala humana, como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se imponen cada vez con más fuerza. El culto a la vida y el amor a la Naturaleza, hacen que el arte se conciba más como una recreación del espíritu. La belleza de las formas sustituye al expresivísimo del arte medieval. Por otro lado, se produce un retorno a las formas artísticas propias del clasicismo, consideradas ejemplo de equilibrio de perfección.

La figura clave de este periodo es el humanista, el hombre universal, que posee conocimientos sobre una amplia variedad de temas: filosofía, literatura, geografía, arte, a la vez que leen el latín y el griego. En las cortes renacentistas, deseosas de abrirse a un mundo nuevo, estos hombres son aclamados con veneración. Quizás Leonardo Da Vinci sea el ejemplo perfecto de este nuevo prototipo humano.

Nace ahora la crítica del arte, pues por primera vez la obra de arte es analizada racionalmente desde el punto de vista del espectador. Los pensadores renacentistas discutían sobre la idea de Belleza y la plasmación física de la misma en el arte. Ello da lugar al surgimiento de tratados sobre arquitectura, escultura y pintura.

El artista empieza a cobrar conciencia de su papel en la sociedad. Es respetado y venerado por todos. Ya no es un mero artesano, sino un inventor, un artífice de ideas que firma sus obras. Los artistas más famosos son reclamados de un lugar a otro. En adelante, el artista definirá con su exclusiva personalidad su obra y rara vez aparecen los nombres de los colaboradores. A veces, como es el caso de Miguel Ángel, este trabajará solo. Ello aumentará más el mito y se hablará de “genios”.

El mecenas es el protector de los artistas, y a veces llega a mantenerlos durante un tiempo. Solían ser miembro de familias acomodadas, príncipes e incluso papas, que encargaban y coleccionaban obras de arte. Un buen ejemplo es la familia de los Médici, en Florencia.

El Renacimiento puede dividirse en las siguientes etapas:

1. TRECENTO: años finales del s. XIV.
2. QUATTROCENTO: s. XV. La capital artística es Florencia.
3. CINQUECENTO: s. XVI. La capitalidad del arte se desplaza a Roma.

En cuanto a la obra, se trata de El Expolio de El Greco.

En torno a 1576 El Greco debió de trasladarse a España, entre otros muchos viajes, con la intención de servir a Felipe II en la decoración del monasterio de El Escorial. Después de una breve estancia en Madrid se marcha a Toledo para realizar El Expolio de Cristo, encargado por el Cabildo de la catedral. La cronología de esta obra es 1577-1579 y la técnica que utilizó fue el óleo, sobre lienzo. El tema del Expolio, se centra en el momento en que Jesucristo va a ser despojado de sus vestiduras al comienzo de la Pasi￳ón. En esta obra, el punto central es Jesucristo, al que no afecta el gentío de alrededor y que mira al cielo con rostro de serenidad y de aceptamiento, con esa túnica tan llamativa de color rojo (el cual simboliza el sacrificio y el martirio). La calidad de este pintor llega hasta tal punto que en la armadura de la persona que está junto a Jesús, se llega a reflejar ese color tan intenso que caracteriza a la túnica.

Esta obra fue criticada de alguna manera, por el hecho de que El Greco se tomara la libertad de colocar, en la parte superior del cuadro, y por tanto más elevado que la figura de Jesús, esa serie de personas, o el típico abigarramiento de rostros de El Greco, y por colocar en la parte inferior izquierda (siempre en cuanto a nuestro punto de mira de la obra), a María Magdalena y a Salomé, cosa que no aparece en el retrato bíblico. Al lado izquierdo de Jesús, se encuentra un hombre que se dispone a desnudarlo. En el lado inferior derecho de la obra, se encuentra un hombre en escorzo, en el que llama la atención, la gran luminosidad de la manga de su chaleco, que está preparando la cruz en la que será colocado Jesús. También llama la atención de la obra que El Greco coloca los pies de Jesucristo junto a la parte inferior de la cruz, que es precisamente la que está preparando este hombre, donde Él será colocado.

El Greco es el pintor más importante del siglo XVI en España. Se trata de un pintor moderno, en el pleno sentido de la palabra. Algunas de sus características más importantes, las cuales refleja en la obra son: que rompe con el dibujo, pintando a base de anchas pinceladas, siguiendo la influencia de la escuela veneciana. Utiliza colores vivos, como vemos en la túnica, o en la ropa que llevan puesta Salomé y el hombre que prepara la cruz, siendo un extraordinario pintor de calidades. Sacrifica la anatomía y la proporción en beneficio de la expresión. Esto le lleva a alargar enormemente las proporciones, para aumentar el dramatismo, cosa que no se aprecia aquí demasiado, y que sí se apreciará en su obra y obra cumbre de la pintura española del siglo XVI, El entierro del conde de Orgaz. El Greco busca lo infinito, su pintura está por encima de la realidad. Fue ante todo un artista muy personal, de esos que escapan a cualquier clasificación.

Ana Rocío Cortés Ramos, 2º Bachillerato D

Apuntes Arte Neoclásico, Arte siglo XIX, Arte siglo XX

Como algunos me lo habéis pedido, os dejo aquí para que podáis descargarlos los apuntes correspondientes a los tres últimos temas que nos quedan por ver. Sólo tenéis que pinchar en cada uno de ellos, acceder a la página donde están ubicados y descargarlos con el icono situado abajo a la derecha (download file).

Arte neoclásico

Arte del siglo XIX

Arte del siglo XX

Presentaciones de arte barroco italiano y francés

Ya podéis consultar las presentaciones sobre el arte barroco italiano y francés que hemos visto en clase. Espero que os sirvan para preparar mejor el examen. Ya va quedando poco tiempo de curso, así que muchos ánimos para todos en esta recta final.

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Comentario de La primavera, de Sandro Botticelli

La técnica usada para la realización de La Primavera es el temple (mezcla de los pigmentos mediante huevos) sobre tabla. En ella se representan a varias figuras mitológicas. Venus junto a las tres Gracias, que bailan a la derecha de Mercurio. En el lado izquierdo está Flora junto a la ninfa Cloris que es perseguida por Céfiro y en la parte superior nos encontramos con Cupido.

Esta obra destaca tanto por su gran realismo que encontramos en la figuras y en el estudio tan detallado de la anatomía, como por su naturalismo; y también es un claro ejemplo de retrato. Estos retratos se representan: la Gracia de la derecha es Caterina Sforza, la Gracia del medio podría ser Semiramide Appiani, mujer de Lorenzo il Popolano que está representado en el Mercurio; esta Gracia mira fijamente a su marido (Mercurio). Y la Gracia de la derecha podría ser Simonetta Vespucci, que fue un prototipo de belleza para Botticelli. La sensación de movimiento de la obra viene acentuada por los sutiles movimientos de las Gracias mediante su danza y también por Cloris y Céfiro, es decir, podemos considerar que es una obra dinámica en gran parte.

En la obra podemos trazar una especie de triángulo que termina Cupido, bajando hacia Mercurio y Céfiro, uniéndose entre las demás figuras. Las tres Gracias pueden representar un único personaje. Y el centro de la obra sin duda es Venus.

Los rostros de los personajes reflejan serenidad y paz sin llegar a ser tristes ni melancólicos aunque en la mayoría de las obras de Botticelli se reflejan estos sentimientos y al final de su vida acentuará más el dramatismo.

Las figuras están distribuidas de la siguiente manera: Venus está junto a las tres Gracias, que bailan a la derecha de Mercurio, que intenta tocar el cielo. En el lado izquierdo está Flora, que recoge las flores que Cloris suelta por la boca; Flora es la única que mira fijamente al observador. La ninfa Cloris es perseguida por Céfiro y en la parte superior nos encontramos con Cupido, vendado de ojos y que dirige una flecha hacia una de las Gracias; en este personaje también se aprecia la aparición de una nueva técnica: el escorzo. Venus está representada en el centro y al aclararse la arboleda, tras ella crea una especie de aureola. Se cree que las tres Gracias representan la voluptuosidad, la castidad y la belleza. Mediante las distintas posiciones de las figuras se rompe la ley de frontalidad que en esta época tiende a desaparecer.

En cuanto a la profundidad lo podemos apreciar tanto en el lugar donde está colocada la Venus y por el paisaje repleto de naranjos. Pero da la sensación de haber una tercera dimensión. El escenario en este caso es un paisaje de naranjos aunque también podían ser en esta época otros escenarios como los arquitectónicos.

En esta obra predomina la luz sobre todo sobre los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque. También las flores del suelo tienden a crear un contraste en el color oscuro del bosque y el de las flores. Los colores usados son tanto fríos como cálidos: fríos en el bosque y el cuerpo de Céfiro y cálidos en los ropajes de Mercurio y Venus. Pero los colores destacan sobre las líneas que todavía, de forma deliciosa, delimitan el dibujo.

Esta obra, datada entre 1477 y 1478, pertenece a Sandro Botticelli (1444-1510), un pintor cuya concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. Este célebre pintor opta por la representación de figuras humanas dejando a un lado la perspectiva. Su pintura se vio implicada en un cambio que impuso en su mentalidad las predicaciones del fraile Savonarola, el cuál critica el paganismo, llegando a organizar una quema pública de cuadros donde también se eliminaron algunos de Botticelli. Este es un pintor magnífico de Vírgenes, aunque también se aficionó a la pintura mitológica. Otras obras suyas son La caluminia, El Nacimiento de Venus y el Descendimiento.

La Primavera de Botticelli pertenece al Renacimiento. El Renacimiento significa un nuevo despertar del Humanismo. El hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo con más fuerza. La belleza de las formas sustituye al expresivismo del arte medieval. Se produce un retorno a las formas artísticas propias del clasicismo.

La figura clave de este período es el humanista, el hombre universal. Nace ahora la crítica del arte. Ello da lugar al surgimiento de tratados sobre arquitectura, escultura y pintura. El artista empieza a cobrar conciencia de su papel en la sociedad. Es respetado por todos, se hablará de "genios". El mecenas es el protector de los artistas. Un buen ejemplo es la familia de los Médici.

El Renacimiento puede dividirse en las siguientes etapas:

- Quattrocento (al que pertenece la obra descrita más arriba): siglo XV. La capital artística es Florencia.

- Cinquecento: siglo XVI. La capitalidad del arte se desplaza a Roma.

Juan Manuel Núñez Rodríguez 2º Bachillerato D

Presentaciones Renacimiento español

Y para terminar con el Renacimiento, aquí os dejo las presentaciones de imágenes correspondientes al arte español de esta época.

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Presentaciones del Cinquecento italiano

A continuación tenéis las presentaciones correspondientes al arte del Cinquecento:

Cinquecento: arquitectura

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Cinquecento: escultura

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Cinquecento: Leonardo

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Cinquecento: Rafael

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Cinquecento: Miquel Ángel (pintura)

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Las mujeres en el arte

Este es uno de los vídeos más bonitos que he visto últimamente. Espero que os guste. Seguro que hay imágenes que ya sois capaces de reconocer...